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Hoy voy a contarte aventuras, reflejadas en los videoclips más interesantes que he visto a lo largo de este 2023… historias apasionantes en imágenes con canciones y una narrativa que te lleva intensamente a sensaciones o emociones que no esperas obtener en los cuatro o cinco minutos que iba a durar la experiencia. Todo desde un punto de vista ecléctico sin centrarnos en un determinado estilo musical.

Este post no es un ranking, y no están los mejores clips del año. Están, los que a mi, me han gustado.

¿Te atreves? Abre ojos y oídos.

The Blaze. El poema.

Madly es uno de los temas incluidos en el LP Jungle del duo de franceses The Blaze, que a parte de ser músicos y primos, les une la pasión por el cine y la publicidad. Así que tienen a sus espaldas muchas producciones que han pasado por cine y TV, y varios clips propios y para otros artistas. Así que es lógico que hayan sido ellos mismos los que han sabido narrar como nadie la historia de un poema escrito por un adolescente en el instituto.

El protagonista del clip (Liam), en clase, tras ser apercibido por el profesor, ya que parece estar un poco distraído, se pone delante de los compañeros de aula que lo jalean, para que lea el poema que tiene preparado. Entre risas, y en plan altivo delante del profesor, el poema versa sobre su primera vez, lo que provoca, más risas en sus compañeros de clase. No obstante, aclara, que se refiere a su primera vez en una rave. Lo mejor… el final. Te aconsejo verlo íntegro. Puedes activar los subtítulos en inglés, aunque te transcribo el poema más abajo.

Imagine a place where no one can stop dancing
The beat shakes everything, everyone's bouncing
It was deep, it was sweet, hardcore
I really felt things I’ve never felt before

I close my eyes and then everything's lit.
My heart feels the beat and my soul feels the heat.
Now I feel like a very special witness
Freedom itself is dancing in that crazy mess

I let myself melt into the crowd to dance
Connected to everyone, I’m kissing the trance

 When the sun rose again, there was no more music
It sounds like heaven with a distant kick
The wind sweeps the night dust into the sky
I can’t feel my feet cause I’m flying high

I was blind but now I see all the beauty
Hidden in the light, surrounded by poetry
I know something has changed deep inside of me
It’s like a dream that I have to be with somebody

What is this feeling ? Everything’s so neat. 
My heart skipped a beat. My heart skipped a beat.
I can see myself dancing in the sky above.
Am I dead ? Worst. Damn… I think I am in love.

En seis minutos, The Blaze, han contado mucho. Un sistema educativo sin evolucionar, unos jóvenes que no entienden la autoridad, unas inquietudes que no entienden los adultos, y la primera experiencia real sobre los sentimientos de un adolescente.

Pero también describe la libertad de la rave, y cómo la música te cambia de forma definitiva, influye en tu carácter y te forma como persona. Cómo esas experiencias, la del primer enamoramiento adolescente, va ligada a la música, en este caso de la rave; cómo se construyen recuerdos, que son ya imborrables y que vuelven a tu mente años después cuando escuchas de nuevo esa música. El aprendizaje por experiencias vividas, como en cualquier situación de la vida misma, no sabes lo que se siente cuando desaparece un ser querido, hasta que se va, y de la misma manera no sabes en qué consiste la vejez hasta que llegas.

Madly, de The Blaze, ha convertido en un corto esta historia, dotándola de un contenido (el poema) que no está presente en la canción original, para ayudar a los fans del grupo a entender mejor el contenido de su disco 2023 JUNGLE.

La nueva gira del grupo comienza en febrero de 2024, una gira de eventos masivos en festivales, y una gira francesa durante julio. De momento no hay fechas para España.

Y una reflexión final… I think I am in love, da lugar a la interpretación, de si se ha enamorado de ella o de la experiencia de una rave. Que cada uno saque sus conclusiones. Yo apuesto por el amor.

Kim Dracula… ¡hazme famoso!

Kim Dracula es Samuel Wellings… una drac queen que hace metal, trap-metal y hardcore, que con anterioridad fue la voz de la banda australiana de heavy metal Jesterpose… y que acaba de publicar su disco debut con su nombre Kim Dracula adoptado del título de una canción de Deftones con el mismo título (aquí).

Kim Dracula como artista multidisciplinar es una estrella nacida de Tik Tok, sus vídeos alcanzaron varios millones de visualizaciones, pequeños cortos de un minuto que dieron lugar a canciones y a un primer clip: make me famous que se abre con un par de avisos en los primeros segundos sin sonido y fondo negro para que queden claras esas advertencias.

1. Lo siguiente es arte y como tal, no avala la violencia, sino que es más bien una reflexión sobre el mundo en que vivimos.
2. Este video fue hecho antes de las recientes tragedias ocurridas en USA. Lo siguiente ha sido modificado y una escena ha sido eliminada por respeto a las víctimas.

La parte final es bastante interesante. Vemos a Kim en un vestuario, ataviado con un traje antidisturbios antes de salir a tirotear un poco más. En su taquilla, después de sacar su ropa, vemos grafiteado DRAC, y en ese momento aparece reflejado en el espejo su verdadero yo… su verdadera DRAC… la voz demoniaca de que le grita «mételes una bala en la cabeza y tíñelo todo de rojo«.

Una escena muy parecida, es la ocurrida en un instituto de USA, la que todos tuvimos oportunidad de ver en TV, en la que otro estudiante con un rifle tiroteaba a sus compañeros. Y luego usó un revolver y disparó en la cabeza a otros compañeros. Justamente vestido con traje antidisturbios como en el video de Kim Dracula, un video grabado con anterioridad a los acontecimientos norteamericano pero que se estrenó mucho después del fenómeno.

La noticia en el periódico fue que el sujeto asesino había sido abatido, cuando en realidad había retransmitido su suicidio en un directo en una conocida red social. Estos personajes sólo buscan la fama. Ser trending topic mundial. Al menos un día en su vida. La prensa intenta borrar todo rastro, pero si se difunde en redes, aunque luego se intenta borrar, siempre puede quedar un rastro y las imágenes volverán a salir tarde o temprano. De esta forma te conviertes en eterno, en asesino inmortal.

La crítica principal, es que estos fenómenos están siendo especialmente frecuentes últimamente. Y desde aquí NO animamos a NADIE a seguir sus pasos, KIM DRACULA es sólo un producto musical, no un modelo a seguir, en lo que a asesinatos se refiere.

Sam Smith, una fiesta, un bukkake y el amor verdadero.

A sus 31 años amasa una gran fortuna ganada con no menos sudor y esfuerzos gira tras gira, y ocupa el número 25 mundial en reproducciones de spotify con más de 63 millones de media al mes.

Pero de todo su LP Gloria me ha interesado especialmente I’m Not Here To Make Friends, que es una gran filosofía de vida que comparto con él/ella/elle.

No he venido aquí a hacer amigos… es algo, que es un mantra para mí, y de hecho para muchas personas. Es decir, no he venido a esta vida a hacer sólo amigos, he venido a algo más, a dejar huella. Una frase que puede aplicarse a muchos contextos.

Aplicado en el trabajo, yo siempre digo que no he venido a mi empresa actual a hacer amigos, sino a trabajar, y a hacer mi trabajo lo mejor posible. Aplicado a la pareja, yo no he venido a ser un amigo, sino a ser la mejor pareja que se pueda ser, y ello ya lleva implícito ser amigo, pero ser amante, ser apoyo, y ser alma de algo más que se gana su espacio junto a la otra persona. A lo que viene unido el otro mantra «aporta o aparta«, no en el sentido de lo físico, sino a lo que puedes aportar al espacio que compartes con la otra persona (cariño, conversación, pasión, apoyo, ocio, comprensión, etc).

En el clip, se aplica la frase, no he venido aquí a hacer amigos en el contexto de la sociedad actual en la que tienes que ser como se espera de ti. Sin embargo, Sam Smith deja claro desde el primer momento que él es otra cosa… desde que llega a la fiesta, ya deja su marca al hacerlo en un helicóptero dorado, y vestido de rosa. Y durante la fiesta, está claro que es el centro de atención, está dispuesto a hacer lo que sea necesario para agradar a todo el mundo.

Hay un par de escenas donde recibe chorros de agua simulando lluvias blancas y doradas en pleno bukkake, sale vestido de blanco y lleva un gorro blanco como los antiguos marineros, aunque esta cofia va totalmente llena de pedrería, y lleva un guante con brillantes con el que simula fisting a las chicas que tiene justo delante. Agrada a todos: chicos y chicas.

Y ahí viene la interpretación de lo que realmente busca es un PERDEDOR alguien que esté dispuesto a hacer lo que sea por ÉL sin pedirle nada a cambio, alguien a quien poder usar. Además hace el gesto con las dos manos, izquierda y derecha, dejando claro que le da igual el bando por el que venga.

Sam Smith está bastante harto de que cada vez que va a una fiesta, al día siguiente está toda la prensa rosa del país sacando fotos, de sus besos, roces, o simpatía, o de un posible nuevo amante o pareja… y Sam no quiere nada de eso… sólo quiere salir a hombros y subido en el capó de un Rolls-Royce, como lo que es: UNA REINA, y que la gente se deje de tonterías. De no disfrutar su vida mientras están pendientes de juzgar la ajena.

Si te vas al disco de Sam Smith me encanta cómo viene la canción, pues la encontramos entre dos interludes. Ocho segundos titulados Dorothy’s interlude en el que a penas escuchamos 1 segundo de la Dorothy original de El Mago de Oz, luego entra la canción I’m Not Here For Make Friends, y sigue Gloria, un interlude de casi dos minutos que podemos escuchar en cualquier funeral. Por que Sam, querida amiga, cuando sale de fiesta sale como Dorothy, libre e inocente, y azotada por un tornado, escapa de la fiesta la última, muerta si hace falta con este lindo epitafio.

Demonios en mi hombro
Monstruos en mi cabeza
Sombra en el agua
Quieres ser mi amigo
El mundo gira a mi alrededor
Mientras estoy acostado en mi cama
Soñando con más, más

Sé tú mismo tan ruidoso esta noche
Te escucharán desde las estrellas
Brillando como dinamita
Si eso es lo que eres
Un himno a Gloria, Gloria, Gloria, Gloria.
gloria, gloria
Es todo menos un himno para Gloria.
Es todo menos un himno para Gloria.

Tamino & Angèle. Sobre la búsqueda, la distancia y la pérdida del amor.

Tamino-Amir Moharam Fouad es belga, pero tiene sangre egipcia y libia, y unas facciones que llaman la atención de marcas de moda y perfume, pero además tiene una voz especial, que atonta o embelesa, de esas que dicen bonitas y que gustan a la mayoría. Lo refrendo. Es el nieto que toda abuela quisiera tener y el novio perfecto para nuestra hija en edad casadera. En el mundo gay es un icono.

Angèle es la otra voz francesa de moda. Otro icono de la canción que a dúo con Tamino han hecho una joya superventas en el mundo francófono aunque esté cantada en inglés.

Esa página de «El Principito», es fundamental en la vida de todo individuo para entender la diferencia entre QUERER y AMAR. Que no creo que te lo tenga que explicar, pero si tienes dudas, siempre estás a tiempo de leer el libro, cuanta más edad tengas lo entenderás mejor. Y si hace mucho que lo leíste, es hora de releerlo pues entenderás nuevas cosas que se escaparon en la primera, segunda o tercera lectura que hayas hecho al libro de Saint-Exupéry.

Referencias a «La Vida de Pi«, y a cuentos de terror, donde tras una gran travesía se llega a la tierra prometida. En definitiva una metáfora del esfuerzo que supone buscar una pareja… y que sea afín, pues como vemos en el clip, ella está tan preocupada por encontrarla, trabaja tanto sobre su girasol y por aparentar estar bien, hace tantos esfuerzos para ser encontrada, que cuando la encuentran, no se da cuenta, y su amado, a pesar de todo, pasa de largo y se cae del pequeño planeta.

También habla de la exigencia y de los sueños. El cómo queremos que sea la persona amada, el cómo debe ocurrir, el cómo se planifica todo para que las cosas ocurran, cuando en realidad, no hay que preocuparse de eso, sino en vivir cada día con los ojos abiertos y disfrutando la realidad y no sufriendo por los sueños no conseguidos.

Troye Sivan. La alegoría al popper.

Troye Sivan es un cantante nacido en Sudáfrica, pero residente entre Australia y Los Ángeles, que emergió de programas de TV y de redes sociales y que a día de hoy es una de las estrellas con mejor proyección para los próximos años.

Ha aparecido en películas (X-Men Origins Wolwerine, Spud, Boy Erased) y series de TV (The Idol 2023) y ha hecho teatro como figurante o como actor con papel principal en edad escolar con Oliver Twist.

Al margen de eso y con la edad que tiene, ha vivido la industria musical desde cero, y ahora se encuentra en la cúspide, y ha visto de todo, y sabe que mantenerse ahí, tal y como está el panorama, las redes sociales, la IA, y los problemas de los adolescentes, ha sabido aferrarse a una imagen de enfant terrible y adorable.

Como dice Rüinosa y Las Strippers de Rahola en su canción popper, rush «es la droga de los maricas y los marineros«, pues SUPER RUSH fue diseñado y producido como un disolvente/limpiador de cuero específicamente para la limpieza de ropa y juguetes eróticos hechos de cuero, que comenzó a usarse por la población homosexual durante los años 70’s de forma masiva, y que luego pasó a usarse de forma universal por heterosexuales y homosexuales como sustancia «recreativa».

Los primeros usos del popper fueron medicinales para tratar la angina de pecho, como un dilatador de las arterias coronarias que se administraba por inhalación y con el que se reducía el dolor, aunque tenía el efecto del fuerte mareo por lo que era un poco incómodo para los pacientes, y los médicos y personal de enfermería que debían manipularlo y acababan inhalando también.

El popper está prohibido en algunos países, pero no por su toxicidad, sino por su mezcla con otras sustancias, que en ese caso sí puede ser perjudicial. Lo habitual es tomarlo junto al alcohol, lo que puede potenciar su efecto y provocar una ausencia de voluntad, o con otro tipo de drogas que en personas con antecedentes cardíacos o que no los conocen, puede causarles la muerte. Pero también puede causarte la muerte un tiesto que se cae de una ventana, así que le vamos a hacer el caso justo a las advertencias.

Pero volviendo al tema del videclip la referencia «popperiana» es total, desde el inicio, al contexto de la fiesta, música, alcohol y referencias visuales a la marca rush y sus variedes en rojo, azul, amarillo.

El popper como divertimento, como sustancia recreativa, está presente en la letra de la canción, cuando hace referencias «siento el rush, adicto a tu toque rush, eres tan bueno… tan bueno», todo en ese contexto festivo.

Los famosos chills sexuales que terminan al amanecer es la temática elegida precisamente porque el público que acude masivamente a los conciertos de Sivan, es la que ha puesto de moda el popper como nunca. Parece que los 70’s y 80’s no se han ido de forma definitiva.

Björk y Rosalía rompen con lo establecido y el heteropatriarcado.

En este clip nada de lo que veas u oigas, es real, está todo creado a partir de una IA. Siento con ello haberte cortado el rollo, pero es así. La magia de Björk, siempre a la vanguardia, es la que lo ha ideado todo, que ya usa la IA en su último disco Fossora (2023).

Pidió la colaboración de la cantante Rosalía para que grabara unas estrofas, que lo hizo con su propio iphone. Todo lo demás, es alta tecnología. Pero no por ello pierde el mérito de haber creado la mejor canción de 2023. Así lo pienso.

Oral, es una canción de Björk de 1990 prevista para su álbum Debut, y un descarte guardada en un cajón por tener una letra adelantada a su tiempo, buscando su momento para ser lanzada. Y ha utilizado una causa benéfica, como la destrucción natural, para justificar su lanzamiento. Los fondos recaudados por la canción se utilizarán contra la salmonicultura en Islandia, una práctica de cultivo de salmón en los mares del norte de Europa, para aumentar la cantidad de este pez que luego compramos en todo el globo con la etiqueta de «salmón noruego» sin ser ello nada de eso.

Esta práctica de acuicultura se hace en altamar, con criaderos que producen una contaminación que incluye desde antibióticos y alimentos, hasta productos fecales, redes, hierros y restos de plásticos. Los escapes de salmones amenazan la biodiversidad nativa. La interacción con otras especies (por ejemplo, lobos marinos) que están alrededor de las jaulas provoca su muerte.

Carlota Guerrero, es la directora y creadora del clip, que se ha encargado de mostrar a las dos luchadoras, que a pesar de lo que pensemos, no pelean entre ellas. Están entrenando para enfrentarse a un problema mayor… en la línea argumental como nos indica la advertencia con la que comienza el clip, una lucha ecológica contra la salmonización.

Sin embargo, la letra de la canción nos indica otra cosa. Oral es una canción de amor y una simbolización de la lucha contra el heteropatriarcado. Mujeres que toman la iniciativa, como dice la canción «sólo porque ella puede» y quiere hacerlo, rompiendo esa regla de estar «disponible» cuando quiera tu marido, y continúa con «yo quiero besarle, sólo porque ella puede«, y por fin, la ruptura con lo establecido: «hay una línea ahí, no puedo cruzarla«; y es en ese momento, cuando vemos a las dos artistas, que en vez de enfrentarse, plantan cara las dos juntas, catanas en mano, contra la cámara… contra el ente mayor, contra la sociedad en general… al grito de «solo porque ella puede«.

Mujeres empoderadas, con iniciativa propia que no tienen, ni quieren pedir permiso para hacer su vida como les venga en gana, que rompen y tiran las barreras impuestas por la sociedad patriarcal. Ya está bien de pedir permiso…

Volcano, una película de Jungle.

Jungle no es un grupo, sino un colectivo musical británico de 8 miembros que es como ellos se definen, que hacen soul-dance y nu-disco. Su más reciente trabajo se titula Volcano, un álbum repleto de excelentes canciones para las que han ido creando diferentes videoclips que han terminado en la película del mismo nombre de 50 minutos de duración.

Volcano ofrece 14 clips, uno por cada tema del LP, 14 planos secuencia que ofrecen a los 18 bailarines coreografiados por Shay Latukolan.

El plano secuencia es una técnica cinematográfica que consiste en contar una escena con una única cámara que es la que se mueve en la acción, sin hacer ningún tipo de corte.

En este caso se hace con maestría, cambios en la escena y en la iluminación que ofrece realidades diferentes en cada tema. Sólo se corta entre canción y canción para hacer una pequeña introducción.

Jungle me interesa especialmente desde hace años, y tenemos muchas posibilidades de que estén presentes en el Cala de Mijas Festival 2024. Al menos, el nombre ha sonado junto a Massive Attack y The Prodigy. Veremos.

El clip que más me interesa es Holding On, por el tratamiento de la luz y el vestuario, una imagen de marca completa del colectivo Jungle. Me parece una forma perfecta de reflejar en tres minutos lo que llevan toda una generación creando, pues con Volcano cumplen 10 años de carrera.

Y aquí la película completa.

Rolling Stones, perdiendo su momento

Los Rolling han vuelto en 2023, sin hacer mucho ruido pero siendo número 1 en todos los mercados de forma global, al menos en una única semana… pero lo han sido.

El nuevo Lp está cargado de buenas canciones, buenas intenciones y duetos increíbles. Mess It Up, es un temazo que quizá en otra época hubiera sido la canción de una generación, pero que en 2023 va a pasar un poco desapercibida y es que a pesar de todo, de ser historia viva de la música, los Rolling Stones están fuera de su tiempo o quizá el silencio ha sido demasiado largo. El grupo ha ralentizado mucho sus productos en el mercado. Bridges to Babylon vendió 1 millón de copias en 1997, y su próximo disco tardó 8 años en salir, A Bigger Bang en 2005 que vendió otro millón de copias, para quedarse en silencio durante diez años, hasta 2016 cuando publican el disco de versiones de otros artistas Blue & Lonesome, que los ha llevado tras una pandemia a crear su disco número 24 Hackney Diamonds, por lo que podemos decir que han tardado 18 años en sacar un disco de canciones nuevas.

Por ahí va el clip de Mess It Up, una reflexión sobre el abandono o no enfrentarte a tus problemas y miedos. Un día te enfadas y decides mandarlo todo a la mierda. Andas, corres, y llevas tu vida por otro camino. Pero, llega un momento en que se acaba el terreno y no puedes seguir huyendo y en ese instante te das cuenta de que has tomado decisiones equivocadas, o que la realidad es tan evidente que debes asumir tu error y tragarte todo. Llevar la razón no es lo más importante en esta vida.

Sin embargo, quizá es demasiado tarde para volver atrás. Somos las decisiones que tomamos, así que cada vez que decidas algo piensa en la trascendencia que puede tener.

La carrera de los Rolling se interrumpió en un momento en el que escasos de ideas no encontraban motivos para seguir haciendo canciones. Y ahora, después de un confinamiento, las ideas llovieron y han dado lugar a Hackey Diamons, el mejor disco de su carrera, pero el menos escuchado de todos. Lo han grabado con mimo, con detalle, parándose en la calidad extrema. Es un disco buenísimo, pero las nuevas generaciones no saben quienes son estos viejales que han perdido su lugar en el estrellato.

Acid Arab, la rave clandestina y la libertad de amar a quien quieras.

Acid Arab, es un grupo de música electrónica con sede en Francia, creado en 2012 que hacen alarde del sonido electrónico con un toque de culturas de Oriente Medio. Ellos hacen música y diversión. Lo forman dos argelinos, un francés, un turco, y un sirio con influencias del electro europeo y el dance acid norteamericano. Todo esto lo complementan con colaboraciones, y son bienvenidos todos los artistas que estén interesados en la mezcla de culturas.

La versión de R3HAB acorta la versión original y le da un toque mucho más bailable que la versión incluida en el álbum original.

En la línea de la mezcla de culturas, encontramos en el clip de Habaytak a una chica harta de su rutina habitual en un trabajo de mierda, que luego le lleva a su segunda rutina, esperar a que termine la colada en la lavandería, se evade de todo con la música. A través de sus auriculares Acid Arab le evocan el recuerdo de las noches pasadas en la rave… junto a su pura sangre de piel oscura y pelo plateado…

El vídeo dirigido por Jean-Charles Charavin para INCENDIE narra la experiencia de la rave como un lugar de libertad en el que no importa tu raza, color, sexo o a quien adores religiosamente. Es el lugar para la evasión, el que rompe la rutina o añade algo de valor a tu vida actual.

TWOCOLORS. Sobre la terapia musical y la amistad.

Twocolors es un duo de electro alemán con sede en Berlín formado en 2020. Han certificado varios discos de oro por ventas en Austria y Alemania y han entrado en listas de éxitos como Billboard en Estados Unidos.

Twocolors fueron número 1 en varios países centroeuropeos hace un año con uno de los estribillos más pegadizos del dance en su single Heavy Metal Love (video clic aquí):

My lip in your teeth 
Roses in my glasses 
We break the AC 
When we make out to Black Sabbath 
You fill that void 
But what’s the point 
Guess we’re both a little bit damaged

 I want your heavy metal love (la, la ,la) 
I just can’t, just can’t get enough (nah, nah, nah) 
So gimme, gimme all you got (break my heart) 
I want your heavy metal love (la, la, la)

Pero hoy vamos a fijarnos en el clip de With You, que está dirigido y escrito por el propio grupo y es el reflejo de su experiencia como dúo musical, pero también como amigos.

Están acostumbrados a hacer bombazos para la pista de baile, y a no parar de trabajar noche a noche. A pesar de lo que parezca, habrá gente que piense que estos tios viven como dioses, pero «La Noche» cansa mucho y hay todo tipo de especies nocturnas con las que hay que lidiar. A parte de eso, cada uno de nosotros tiene una vida personal y social que también tiene que llevar para adelante.

En los primeros fotogramas del video vemos un abrazo y uno de los componentes del grupo que llora desconsolado. En el siguiente tramo lo vemos en una azotea, parece que enfrentándose a un enemigo imaginario mientras mira al infinito, fuma un cigarrillo y quizá se plantea si saltar al vacío o no. En la siguiente escena entendemos algo más, vemos un momento familiar, un abrazo a una madre, una despedida de la misma, pues luego veremos un funeral y una foto de la señora.

A partir de aquí la narrativa es clara. Y podemos describirla en las imágenes que te extraigo del clip.

La primera imagen es un funeral, la segunda, cuando los dos miembros del grupo bailan, es la metáfora del hablar, del sacar todas las historias fuera, es la forma de superar el dolor y el trauma, lo que nos lleva a la tercera imagen, HUIR, salir corriendo, intentar llegar lejos, abandonarlo todo y no parar de correr, hasta llegar a la cuarta imagen… el apoyo, el llorar juntos, la amistad, y superar la pérdida, parar, tomar conciencia del problema y superarlo.

En resumen, los traumitas hay que compartirlos… siempre habrá alguien que quiera escucharlos.

Depeche Mode y la incomunicación.

Depeche Mode ha hecho uno de los discos más oscuros de su carrera, lo que ha llevado a que en unas primeras escuchas el disco sea especialmente duro para todos los fans, que no han tenido fácil encontrar el sentido a muchas canciones.

Han tenido que acudir a la entrevista y al documental para explicar alguna de sus letras. Pero ya sí… ya nos hemos enterado… y coincidimos con esa crítica que decía que estábamos ante un disco trascendental en la historia de la música, y que seguramente en un futuro encontraremos un valor especial a este álbum como se lo encontramos a Violator. No sé si llegaremos a tanto.

El video de Wagging Tongue es una pasada de principio a fin. Una crítica real en imágenes del mundo actual de las redes sociales en las que es muy fácil esconderse detrás de un nick o de una imagen falsa para poder soltar todo el odio que acumulamos en nuestra rutina diaria.

Ella dice: «Tenemos que hablar«.

Él contesta: «¿No podemos escribirlo?«

Y es así. Ya ni siquiera admitimos llamadas telefónicas, si existe whatsapp ¿por qué me llamas pudiéndolo escribir? Y claro, así se pierde el sentido de lo que queremos expresar por mucho emoticono que le queramos añadir.

Y finalmente estas personas van a hablar… pero lo harán bajo el agua. Porque nos resistimos a abandonar internet para comunicarnos. El agua, es la metáfora elegida por el director del clip para explicar cómo la simple agua, es un obstáculo natural para que la comunicación sea fluida. Y nos esforzamos mucho en hacernos entender… lo vemos en las imágenes, las palabras son chorros de aire lanzados con fuerza que salen de sus bocas, pero que llegan distorsionados a la otra persona, o simplemente no llegan.

Y lo peor no es eso, es que ni en el momento en que las dos personas salen del agua para coger aire, son capaces de aprovechar ese instante cara a cara para solucionarlo. Deciden sumergirse de nuevo, y esforzarse aún más para comunicarse bajo el agua. Y además, este es otro detalle, a la vista de todo el mundo. Porque internet, es una red abierta y pública y todos nuestros seguidores están viendo la conversación, tal y como ocurre en este lago, donde vemos público que está esperando su momento para comunicarse por el mismo medio, o intervenir en nuestra conversación que entendíamos era privada.

Finalmente deciden dejar de hablar sin solucionar su problema, mientras ella vuelve a su rutina, y él a la suya, que es sumergirse en la red y seguir escuchando conversaciones ajenas.

Mette, y el poder del amor maternal.

Mette Towley es cantante, actriz y bailarina nacida en Minnesota que este año ha hecho una reflexión sobre la experiencia madre/hija a través del clip de Mama’s Eyes incluido en su EP Mettenarrative (2023).

Explora la profunda conexión y admiración entre una madre y su hijo, admitiendo los sacrificios que suelen hacer los padres por sacar adelante a sus hijos. Renuncias a sus sueños o a sus vidas para poder sacar adelante a sus congéneres.

La artista reconoce en los primeros versos que realmente ella no lo ha hecho demasiado bien, que ha coqueteado con las drogas, que no ha sido buena chica, pero que a pesar de todo el núcleo familiar y el vínculo nunca se rompió y que es precisamente ese vínculo el que hizo superar aquellos momentos.

Las madres no fallan. Están siempre ahí y Mette hace una comparación con otras mujeres icónicas como Whitney Houston y Chaka Khan, enfatizando las cualidades excepcionales de su madre como las de aquellas artistas que lucharon por conseguir su camino en la vida y que conquistaron la industria musical por méritos propios.

La referencia a volar desde el Aeropuerto de Heathrow refleja la distancia física entre ellas, pero la conexión emocional sigue siendo fuerte y reconfortante. Añadiré que esta canción es sin duda parte de su terapia emocional. Reconocer el problema, y trabajar para solucionarlo. Enhorabuena.

Idles, te piden bailar para solucionar los problemas.

Formados en Bristol en 2009, Idles es una banda británica e irlandesa que lanzó su LP debut Brutalism en 2017 con un importante reconocimiento de la crítica especializada, ya que el público ya le había otorgando la confianza asistiendo a sus conciertos.

Desde 2017, el grupo ha sacado un LP cada año, excepto en pandemia, que se guardó su LP TANGK para publicarlo el próximo 16 de febrero de 2024. La pandemia ha tenido la culpa, y efectivamente, tal y como has pensado el contenido de las canciones tiene algo que ver con aquella situación que vivimos en 2020 y 21.

Dancer es una crítica a lo que vivimos en el encierro. Nadie llegó a entender realmente lo que ocurrió, se nos pidió encerrarnos y lo hicimos, no sé si por la comodidad de no tener que ir a trabajar, o por el miedo que nos metieron por todos los canales de comunicación.

Lo que ocurrió en cada casa y lo que hicimos cada uno en nuestro encierro fue: cocinar, leer, escuchar música, bailar, masturbarnos, hacer coreografías para subirlas a las redes, y sobre todo hacer videoconferencias con gente con la que no habías hablado en tu vida, como la vecina de al lado.

La letra es complicada, habla de situaciones absurdas, inconexas, y era precisamente eso lo que nos decían por TV a cada segundo, no entendíamos nada, pero nosotros resolvíamos todo ese estrés en intentar aprender la coreografía para la video conferencia de la tarde/noche, o para hacerla en el balcón a la hora de aplaudir. Bailamos mucho, cantamos mucho… leímos menos, y engordamos bastante en tiempos del confinamiento. Nunca hemos tenido tanto estrés y tantas tareas por hacer y no hicimos ninguna.

El confinamiento no nos sirvió para nada… no salimos siendo mejores personas, no salimos curados de nuestros traumas y problemas, no aprendimos a lamernos las heridas, sólo fuimos bailarines de un sistema que nos dijo baila, y nosotros lo hicimos, igual que al perro que le gritas SIT! y se sienta. Eso hicieron con nosotros.

Mau P, drogas en Amsterdam.

Mau P, es en realidad Maurice West, que se ha cambiado de nombre, porque también se ha cambiado de estilo musical pasando del Big Room al Tech House, que le permite ser bastante más creativo en la producción musical. Es decir, su proyecto es el de continuar en el circuito de Dj’s internacionales creando sus propias canciones, pero teniendo un sonido más personal y exclusivo. Tiene 27 años y tiene previsto comerse el mundo.

Drugs From Amsterdam es la representación de la noche más animada de Europa, la de Amsterdam, donde la Cultura de Club, es lo habitual, y ponerse hasta la coronilla de droga también.

La parte trasera del taxi es fiel reflejo de la sociedad de la ciudad. Cada estrato social o cada colectivo tiene su droga de moda… en polvo para los más poderoso en forma de pintalabios con popper en el mundo gay, o la más accesible como el alcohol o las metanfetaminas y opiodes con receta en los jóvenes y adolescentes a los que todos los servicios sanitarios públicos recetan medicamentos antipsicóticos y antidepresivos de forma indiscriminada en vez de mandarlos a terapia, dado que el sistema está colapsado y no puede asumir tanto paciente.

Es un hábito, que este señor taxista vive con absoluta normalidad y rutina, y que Mau P, vive desde su escenario en cada bolo que hace… él puede verlo desde su posición dominante, ve cómo están enganchados, cómo prefieren estar drogados y bebidos en vez de estar disfrutando de la música y bailando. Cómo se usan las drogas como sustancia recreativa, cuando en realidad sirven para todo lo contrario, pues te adormecen y eliminan tu propio voluntad sometiéndote a las mismas y al final lo único que consigues con ellas es quedarte enganchado. Ser un adicto.

Mau P, con este clip, advierte a sus fans, que es hora de ir pensando en desengancharse, y que tampoco es necesario ponerse hasta el culo para pasarlo bien. Olvidamos que salimos con amigos para divertirnos, que salimos con las personas, no con las sustancias. Las personas nos aportan… las sustancias no.

Electric CallBoy, un cuento con dos príncipes, y la ruptura de estereotipos.

Electric CallBoy son el grupo de moda en Europa. Con una agenda de conciertos que ya la querrían más de algún otro grupo masivo.

Han roto con muchos de estereotipos ligados a la música metal, de machos de pelo largo, habitualmente enganchados a algún tipo de droga, poseídos por la oscuridad y el demonio, para ser un grupo que ha abierto el metal hacia la cultura de club europea. Su estilo es de hard-techno metal.

¿Puede un grupo de machos alfa heavy tener un cuerpo de baile y coreografías para el escenario? Pues sí, puede

Everytime We Touch es el último single extraído de Tekkno (2022), el Lp más vendido del grupo y con el que están consiguiendo un éxito brutal en todo el globo. Fueron candidatos a Eurovisión por Alemania en 2022 con Pump It Up, pero no fueron elegidos y su representante aquel año obtuvo un sonoro CERO POINTS. En 2023, Finlandia aprovechó el estilo de la canción pump it up para mandar a Käärijä que quedó segundo con Cha Cha Cha, mientras los alemanes obtenían otro sonoro fracaso a pesar de haber mandado una propuesta de metal con los Lord Of The Lost.

Electric Call Boy rompe definitivamente con todos los estereotipos ligados a la música metal, uniendo mucho su imagen a un nuevo concepto más cercano a la diversión que a una imagen oscura o gris, antigua y casposa.

La música ha evolucionado, las referencias culturales de las nuevas generaciones ahora son otras, y Electric Call Boy se acerca más a los que les gusta el metal, pero también la fiesta, a los que les gusta el manga, pero también la literatura clásica, a los que les gusta la buena comida, pero también el fast food. Pero sobre todo a los que quieren divertirse.

Y hemos llegado al final. 15 formas de ver el 2023 desde la experiencia musical. Porque a pesar de todo el año no ha dejado de sorprendernos, y nos seguiremos asombrando en 2024.